Películas y libros míticos

No soy amigo de hacer listas con mis mejores, los más, mis preferidos, pero debo reconocerme a mi mismo que esta es una de mis películas preferidas, cuantas más veces la veo más me gusta y estoy más convencido de ella en cuanto a que es una obra maestra, también pienso a veces que esta determinación se queda muy corta para definirla, estamos en el año 1927, el cine aun está en pañales y de repente nos encontramos ante un fantástico guión que es llevado a la gran pantalla de una forma realmente espectacular.

Lo que más me ha impactado de esta obra es que desborda originalidad por los cuatro costados, de algún modo es la madre de toda la ciencia ficción, en l actualidad vemos trabajos en los que para determinados efectos especiales se utiliza el ordenador, con programas con mucha complicación a la hora de su utilización y después de todo esto las imágenes delatan esos retoques haciéndonoslas poco creíbles, pues si observan la escena de la transformación del robot en la antítesis de María (Brigitte Helm), quedarán perplejos, de lo conseguida que está.

Con tan solo un puñado de personajes consigue unas altísimas cotas en cuanto a la interpretación, de las que destaca la Helm, desdoblándose en dos papeles que supone uno la antítesis del otro, pero no por ello desmereciendo ninguno, por otro lado está Rotwang, el inventor (Rudolf Klein-Rogge), situado en la cúspide de la maldad, tan solo anhela sus propios intereses, de ahí que se le muestre como un ser aislado incluso poco adaptado a la sociedad que le toca vivir.

Otro personaje podría ser perfectamente el pueblo llano, el obrero, el que día a día, va a entregar parte de su viada a ese gran monstruo que son las máquinas como así parece recordarnos Freder (Gustav Fröhlich) en alguno de sus sueños, la masa proletaria es la idea principal del film, porque aunque hay varias teorías el film de Lang se me antoja bastante arrimado a una corriente socialista, puede que en su concepción tendiera hacia otros derroteros, pero en su ejecución yo lo veo así y no me convencen otras posturas.

El tratamiento que hace de la religión si que podría tener una doble lectura por parte del espectador, ya que si nos damos cuenta en todo lo referente al robot y al mundo que nos muestra a Rotwang como protagonista o bajo su influencia está rodeado de símbolos satánicos con pentagramas invertidos y el mundo que intenta inculcar Maria a los obreros dentro de las catacumbas, cuando narra el episodio bíblico de la torre de Babel, está lleno de cruces, por tanto este es el tema que me tiene más confuso, porque no me decanto si defiende o ataca a la religión, ya que al principio aparece como salvadora, para al final acabar utilizándola como instrumento y llevar al ser humano a la desgracia.

Se podrían verter muchos más rios de tinta de los que ya se han vertido, analizando todos los detalles de este largometraje, su estética, sus técnicas a la hora de componer las escenas y acometer los efectos especiales, la caracterización y maquillaje de los actores, todo es novedoso y al mismo tiempo actual, siempre he tenido la sensación de que no pasan los años que sigue estando igual de vigente que cuando Lang la rodó.

Toca de refilón temas tan actuales como la clonación para una posible explotación de los obreros en el futuro, autómatas de la producción, incluso vemos lo que podrían ser antecesores de los ordenadores y no perder detalle que cuando John Fredersen (Alfred Abel) habla con el operario principal de las máquinas, lo hace a través de una especie de videoconferencia, solamente una mente muy lúcida como es la de la guionista y esposa de Lang es capaz de crear esta maravilla, hablo de la visionaria, Thea von Harbou.

La narración del film va in crescendo según avanza el metraje, siempre teniendo como protagonistas a los mismos y esa forma de ver la situación por parte de cada uno, desde el lado empresarial y desde el lado obrero, todo ello para llegar a confluir en la escena final, totalmente cargada de moraleja y en la que yo si que veo cierta carga de nacional-socialismo como propuesta ante los problemas generales de ambas partes.

Por último, alzo mi modesta voz y desde aquí reivindico la integridad de las cosas en general y del arte en particular, me gusta lo puro, sin aditivos, no soy amigo de las restauraciones y si estas son inevitables que afecten lo menos posible al producto original, esto va por la patética, insultante, vomitiva y deleznable versión que de este film hizo el señor Giorgio Moroder, desvirtuando totalmente el trabajo inicial.

TRONCHA

Cuando estoy en una sala viendo alguna película tengo la manía de escribir detalles de esta para luego acordarme a la hora de redactar estas líneas que ahora estáis leyendo, al revisarlas hoy para acometer esta empresa me he dado cuenta que con igual de ilegibles que siempre, imagínense escribir a oscuras, pero mucha menos cantidad que habitualmente y eso es un síntoma de que llegados a un punto dejo de interesarme el film.

El punto de partida se sitúa en Brooklyn en los años ochenta, casi nada, madre mía, aquella fatídica década que tan pocas cosas buenas nos trajo y lo digo con uso de razón ya que por aquel entonces el que suscribe tenía uno de conciencia y se daba cuenta de lo que había, aun así hay que ser justos y decir que el inicio de la película tiene fuerza, se nos plantea una ciudad de contrastes, dos ambientes o dos mundos totalmente distintos y ante la cámara la forma de presentarnosla funciona, me parece estéticamente buena.

Insisto de nuevo en que la acción al comienzo del mismo resulta bastante atractiva, no paramos de repente andamos tanto en un lado como en otro de la ley y en medio de todo este tinglao nuestro protagonista “Bobby” Green (Joaquin Phoenix) debatiéndose entre el bien y el mal, como si se tratara de un joven padawan a punto de convertirse en caballero Jedi, imagínense ustedes el lado que toma, o vayan a verlo, ya saben que no me caracterizo por destripar las películas no es mi estilo.

Llegado un punto todo esto se desinfla la historia pierde fuelle a marchas forzadas, dejando de captar el interés del espectador, incluso no nos queda un poco para vislumbrar como se puede avecinar el final, porque se nos hace tan previsible que está claro en que puesto queda cada uno y el lugar que van a ocupar, la historia a avanzado mucho en poco tiempo y con esto no ha dado tiempo a perfilar bien los personajes secundarios, nos imaginamos porque ocurren ciertas cosas pero no nos las cuentan.

Supongo que la pretensión de Gray es mostrar al espectador la lucha interna que surge “Bobby” debatiéndose en una batalla más visceral que cerebral y que le lleva a tomar ciertas decisiones, pero es que uno de los problemas para transmitir esto es que el guión está lleno de trampas y la más gorda de todas es la propia identidad del personaje principal, la mafia rusa más bien parecen unos pobrecillos diablos incapaces de matar una mosca, la policía parece casi perfecta y para mas inri las interpretaciones de Mark Wahlberg y Eva Mendes son muy malas, aportando poco o nada a este fallido conjunto.

TRONCHA

Casualidades de la vida pero parece ser que últimamente pasa algo más de cine mudo por delante de mis ojos, es de agradecer ya que a pesar de tener sus peculiaridades en cuanto a los actores y en concreto a la interpretación desaforada de estos en muchas de las ocasiones, no hay que despreciar nunca la oportunidad de aprovechar y poder ver este tipo de joyas que se crearon hace la friolera de más de ochenta años y de todo lo que más me sorprende es la frescura de ideas que ya tenían por aquel entonces.

En nuestro caso el título asignado a este trabajo es muy significativo ya que podríamos decir que el viento es un protagonista más dentro de la película, por no decir que es el personaje principal, aunque ese honor o se lo vamos a robar a Letty, interpretada por una impresionante Lillian Gish que traspasa la pantalla, incluso salvando las huellas que el tiempo ha dejado en el celuloide de los films propios de esta época, su personaje goza de una fuerza increíble, solo comparable al viento que continuamente azota su duro entorno.

Letty es una inocente muchachita que al contrario de otras ocasiones migra de la ciudad al campo, en concreto a casa de uno de su primos, rápidamente la mujer de este, Cora (Dorothy Cumming), siente celos de la recién llegada pensando que su relación corre peligro, la forma de presentarnos Sjöström a este personaje es magistral, ya que cada vez que aparece en escena lo hace con un cuchillo en la mano incluso durante una celebración en la que parte una tarta.

Los efectos especiales son únicos, si los analizamos en profundidad tan solo habría que producir viento con ventiladores y tirar arena delante de ellos para producir el efecto asfixiante de este fenómeno meteorológico, el mérito está precisamente en perfilarlo de una manera tan siniestra, tan agobiante, capaz de mutar la cordura de las personas en locura y a fe que parece conseguirlo como podemos observar en la escena en la que Letty queda sola en la cabaña pareciendo que después de una gran tormenta de arena todo va a quedar arrasado.

El largometraje es un western, un intento de contraste entre los personajes que viven del campo y del ganado, rudos y duros como la tierra que habitan, pero ante todo nobles de corazón y sinceros en cuanto a sus sentimientos y en contraposición la inocencia y debilidad de la chica urbanita con un alto grado de ingenuidad que acaba ilusionándose con las falsas promesas de un embaucador que la ha calado desde un principio.

La idea aterradora que nos transmiten del viento se me antoja que es muy actual, ahora que el cine de género de terror está tan de moda y goza de gran auge, cualquier podría acaparar esta idea de un viento que acaba consumiendo las vidas de los que moran por sus alrededores, arrebatándoles lo más preciado de su ser, quien sabe a lo mejor alguno le da por mirar atrás (no habrá avalanchas seguro) y se fija en el cine que hicieron los que crearon todo este “circo”, no les vendría mal.

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Clásico entre los clásicos del cine negro y si encima tienes la suerte de poder disfrutarlo en pantalla grande, no te quiero ni contar, como encaja todo en este fantástico trabajo de Hathaway en mi opinión no hay nada que chirríe de principio a fin, bueno quizás como siempre en la industria de Hollywood, la exaltación total del ideal y valores americanos, pero quizás es lo que menos interesa de todo el film, nuestra atención queda totalmente absorbida por la historia en si y por los personajes.

La intensidad del film desde el principio es increíble, la escena de Nick Bianco (Victor Mature) bajando en el ascensor desde el piso 24 del edificio nos transmite de sopetón el suspense que vamos a vivir durante prácticamente la totalidad del fin, no vamos a poder parar quietos en el asiento, el hecho de que se nos presente el personaje de Bianco de esta manera, puede dar lugar a equivocaciones, pero no se preocupen, precisamente la definición de los personajes es lo mejor que hace el realizador en toda la película.

Pocas veces ocurre que con tan pocos personajes relevantes, la elección de los mismos sea tan correcta, incluso si me apuran están bastante bien elegidos el personaje del ayudante del fiscal D’Angelo (Brian Donlevy) y el de la niñera Netty (Coleen Gray), la base del film como apuntaba con anterioridad está en la perfecta definición de los perfiles de los personajes, encajando en este caso incluso el anquilosado rostro del mastodóntico Mature.

Pero el que destaca sobre todos ellos es el personaje de Tommy Udo (Richard Widmark) probablemente podamos definirle como el malo más inhumano que se haya plantado frente a una cámara hasta el año de estreno del film, incluso su maldad llego a trascender tan fuera de la pantalla que el propio actor tuvo problemas en algunos lugares públicos ya que había ciudadanos que pretendían agredirle por las fechorías cometidas por su personaje en el film.

Esta claro que el culpable de todo esto es Hathaway el cual nos presenta un personaje sin escrúpulos, rozando continuamente la esquizofrenia y que disfruta infringiendo dolor a sus semejantes, lo de menos es el botín a cobrar lo más interesante es cuanto dolor puede soportar quien tiene enfrente, un hombre sin vínculos que no conoce los nobles sentimientos humanos y que para hacerle destacar aun mas, le contrapone al personaje de Bianco, con vínculos familiares, padre desgraciado de dos hijas, viudo y que ha tomado el camino fácil de la vida, pero al mismo tiempo el equivocado y que en definitiva ha apartado de él lo que más quería.

Hathaway pone frente a frente estos dos estilos para ver quien de ellos es el que triunfa, el arbitro pretende ser el propio estado americano, a través del personaje de D’Angelo, pero ambos se niegan a asumir las reglas que les imponen, el mundo del crimen al que pertenecen por distintos motivos, dicta sus propias reglas y así será el enfrentamiento, la valentía y honestidad de cada uno de ellos dictará sentencia y dejará a cada cual en el sitio que se merece.

Una vez más demostramos como el cine influencia el entorno donde se desarrolla y proyecta y por supuesto también al contrario ya que de este trabajo se puede hacer una lectura que quizás vaya mucho más allá y que cada uno de los personajes principales represente una nacionalidad concreta, recordemos que estamos en el 47 recién terminada la gran contienda, Udo perfectamente podría ser apellido alemán, Bianco representaría a la nueva ola de inmigrantes italianos e irlandeses que llegaron a Norteamérica y D’Angelo representaría a Estados Unidos por ello trabaja para él, todo esto enclavado en tono de cuento ya que la historia por raro que les parezca se asemeja bastante a un cuento de navidad.

TRONCHA

Esto es algo que no acostumbro hacer a menudo pero necesito contextualizar la película para que quien lea esto comprenda lo que posteriormente voy a escribir, de momento comentar que el film data de 1916, o sea los albores del cine casi de las primeras películas, en esos momentos Griffith tenia a la industria del cine comiendo de su mano, ejemplo claro es que consigue dos millones de dólares de presupuesto para el rodaje, si han leído correctamente no hay errata. Rodó un metraje de 76 horas, para él todas válidas, posteriormente se redujo a ocho y definitivamente a dos y cuarenta minutos.

La película se desarrolla en cuatro etapas históricas, la caída de Babilonia, la pasión de Cristo, la época de Catalina de Medici y por último un suburbio industrial de una gran ciudad, las imágenes van saltando de una época a otra sin discriminación alguna, lo único que es común a todas es la idea de la intolerancia, o lo que el director comprende como tal, este ir y venir de escenas se ve muy afectado por el corte de metraje mencionado en el párrafo anterior, dejando a veces escenas sueltas que ni siquiera tienen una cartela y eso que hay muchas en todo el film, si me permiten la observación, demasiadas, por supuesto ni que decir tiene que estas idas y venidas afentan a la intensidad de la acción.

No podemos negar que Griffith es uno de los padres del cine, el inventor de muchas cosas y de múltiples técnicas, un maestro del encuadre como podemos apreciar en multitud de las escenas del film, donde no solo está pendiente del primer plano sino que los figurantes están totalmente equilibrados en el medio y en el plano largo, todo esto implica que la construcción de decorados cobre todo para la parte de la historia que se refiere a Babilonia, fuera una obra descomunal, ya que se hicieron a escala prácticamente real.

Multitud de figurantes con su vestuario perfectamente adecentado y grandiosos escenarios para rodar las imágenes implican que el proyecto se convierta en mastodóntico, que para la época en la que se estrena suponga el mayor espectáculo visual rodado de la historia en el mundo entero, pero toda esta grandiosidad es lo que a mi entender empaña la idea original del realizador, a veces el espectador esta tan sumido en la magnificencia de las imágenes y el espectáculo en si, que olvida de la idea principal que estamos tratando, aunque en las numerosas cartelas que aparecen se encarguen constantemente de recordárnoslo, aunque insisto que a cualquier cosa se le llama intolerancia.

Sin lugar a dudas estamos ante una obra maestra en la que quizás no estamos viendo una historia impresionante, en la que Griffith se limite a contarnos pasajes épicos, y tan solo aporte la continua imagen de la madre que mece la cuna, simbolizando la humanidad, pero el hecho de que alguien haya rodado algo así es digno de alabanza y sobre todo en la época en la que lo hizo, quizás lo desmesurado sea el dinero que gastó ya que se podría haber hecho de otra manera mucho más sencilla y barata, pero las cosas son así.

Si hiciéramos un minucioso análisis de cada encuadre, de cada fotograma, observaríamos multitud de detalles interesantes, un ejemplo podría ser los sugerentes desnudos que aparecen en el templo del amor de la ciudad de Babilonia, la máquina de guerra que derrota las torres de asalto de Cyro, visualmente quizás la parte de Babilonia sea la más vistosa, pero la que para mi goza de más interés narrativo es la del suburbio, cuando el chico y la chica del barrio se enamoran y podemos observar sus devaneos, de las cuatro esta es la historia bajo mi punto de vista que mejor refleja la famosa idea de la intolerancia.

TRONCHA